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El anillo del nibelungo

2008-10-07T16:46:18+00:00

Ciclo de cuatro óperas épicas, basadas libremente en figuras y elementos de la mitología germánica, particularmente las Sagas islandesas. El libreto y la música fueron escritas por Richard Wagner en el curso de veintiséis años, de 1848 a 1874. En alemán, "des Nibelungen" es la declinación débil genitiva singular masculina del sustantivo "Nibelung", es decir, significa ?del nibelungo?. El nibelungo al que el título hace referencia es el enano Alberich.

Las cuatro óperas son:

El oro del Rin (Das Rheingold)
La valquiria (Die Walküre)
Sigfrido (Siegfried)
El ocaso de los dioses (Götterdämmerung

El oro del Rin (Das Rheingold) es la primera de las cuatro óperas que componen El anillo del nibelungo (Der Ring des Nibelungen) de Richard Wagner. Se estrenó en el Hoftheater de Múnich el 22 de septiembre de 1869, con August Kindermann en el papel de Wotan, Heinrich Vogl como Loge, y Wilhelm Fischer como Alberich.

El oro del Rin empieza con un preludio de 136 compases sin modulación basado en el acorde de mi (E), que representa los movimientos constantes y eternos del Rin (se ha discutido que Richard Wagner generó esta melodía mientras se encontraba somnoliento). Esta melodía es seguramente una de las más conocidas de la partitura. El poder de la música se eleva mientras el telón asciende. Las tres doncellas del Rin (Rheintöchter): Woglinde, Wellgunde y Flosshilde, juegan entre sí en el río Rin. Alberich, un enano nibelungo, aparece de las profundidades e intenta seducir a las doncellas. Las tres damas se burlan del aspecto poco atractivo de Alberich y de sus intentos, lo cual causa la ira del enano. Alberich nota el brillo dorado que emana una roca cercana y luego pregunta a las doncellas qué es lo que lo causa. Las tres responden que es el oro del Rin (Rheingold), el cual deben de cuidar por órdenes de su padre. Luego las damas explican que solamente aquel que renuncie al amor podrá crear el anillo llamado Andvarinaut a partir del oro del Rin. El Andavarinaut permitiría al portador dominar el mundo. Las tres doncellas creen que el lujurioso enano no es una amenaza para el oro del Rin, pero Alberich se enfada por las burlas de las tres damas, lo cual permite que haga al lado el amor y así acaba apoderándose del oro del Rin.

Figura: Los gigantes se llevan a Friea

Wotan rey de los dioses, duerme en la cima de una montaña junto a Fricka, su esposa. Fricka se despierta y alcanza a ver un magnífico castillo a sus espaldas, por lo que despierta a Wotan, quien le hace saber que su nuevo hogar ha sido construido. Los gigantes completaron la obra y a cambio Wotan les ofreció a Freia, la diosa del amor. Fricka se encuentra consternada por su hermana, pero Wotan confía en que no tendrá que cumplir su palabra.

Freia aparece y se muestra horrorizada mientras la siguen los gigantes Fasolt y Fafner. Fasolt demanda que se le pague por el trabajo que realizó y declara que el poder de Wotan se deriva de los tratados que ha inscrito sobre su lanza, y entre éstos se encuentra el pacto que hizo con los gigantes. Donner, dios del trueno, y Froh, dios de la primavera, aparecen para poder defender a su hermana pero Wotan los detiene, ya que no puede detener a los gigantes a través de la fuerza, puesto que esto le impediría cumplir su palabra.

Loge, dios del fuego, aparece justo a tiempo, y Wotan confía en que la sabiduría del dios le ayudará a encontrar una manera de no cumplir el acuerdo con los gigantes. Sin embargo, Loge narra cómo Alberich ha robado el oro del Rin y ha forjado un poderoso anillo utilizando el metal. Wotan, Fricka y los gigantes inmediatamente comienzan a idear una manera de apoderarse del anillo; Loge sugiere una manera de robarle el artefacto al enano. Fafner demanda que el anillo sea la forma de pago por el castillo de Wotan, en lugar de Freia. Los gigantes se marchan pero se llevan a Freia como rehén.

Las manzanas doradas de Freia habían permitido que los dioses se mantuviesen jóvenes permanentemente, pero con su ausencia comienzan a envejecer y a deteriorarse. La única forma de revertir esto es conseguir el anillo para poder rescatar a Freia, razón por la cual Wotan y Loge descienden al mundo terrestre en busca del anillo.

En este espacio hay un intermedio orquestal que "narra" el descenso de Loge y Wotan hacia el Nibelheim. Uno de los detalles más importantes de este intermedio es cuando la orquesta empieza a disminuir el volumen de la música para que se puedan escuchar 18 yunques (recreados por la orquesta con distintos altos), lo cual representa la labor de los enanos que se encuentran esclavizados.

Figura: Alberich esclaviza a los enanos del nibelungo

En el Nibelheim, Alberich ha esclavizado al resto de los enanos nibelungos. El enano ha obligado a que su hermano Mime le forje un casco mágico, el Tarnhelm. El Tarnhelm permite que Alberich se torne invisible y así pueda atormentar aún más a sus súbditos.

Wotan y Loge llegan a su destino final y se encuentran a Mime, quien les cuenta sobre el anillo y la miseria que viven los nibelungos bajo el dominio de Alberich. Mientras tanto, Alberich obliga a que sus esclavos almacenen vastas cantidades de oro, y cuando terminan su labor los despacha para poder atender a los dos visitantes. Alberich anuncia sus planes de dominar el mundo y luego Loge lo engaña para que le muestre el poder del Tarnhelm, lo cual lleva a Alberich a convertirse en un dragón y luego en un sapo. Cuando Alberich se convierte en dicho anfibio, los dos dioses lo capturan.

En la cima de la montaña, Wotan y Loge obligan a que Alberich entregue su fortuna a cambio de su libertad. Los dioses le desatan la mano derecha, con la cual utiliza el anillo para convocar a sus esclavos para que presenten el oro a los dioses. Una vez entregado el oro, Alberich pide que se le devuelva el Tarnhelm, pero Loge dice que es parte de la fortuna que requerirá su liberación. Finalmente, Wotan le pide el anillo y aunque Alberich se niega a entregarlo, Wotan se lo arrebata y se lo mete en el dedo. Este acto conlleva a que Alberich ponga una maldición sobre el anillo: hasta que no le sea regresado, aquel que no lo tenga lo deseará y aquel que lo posea sólo recibirá penas y muerte.

Fricka, Donner y Froh aparecen y son recibidos por Wotan y Loge, quienes muestran el oro que se utilizará para rescatar a Freia. Fasolt y Fafner regresan con Freia. Desde un inicio, los dos insisten que debe de haber suficiente oro como para que Freia quede fuera de vista. Una vez se amontona todo el oro, Wotan debe entregar el Tarnhelm para poder cumplir la demanda de Fasolt y Fafner. Finalmente Fasolt muestra que hay un pequeño hueco entre todo el oro y que solamente se podrá cubrir con el anillo. Wotan se niega a entregar el anillo, por lo que los gigantes anuncian que se llevarán a Freia nuevamente.

Repentinamente aparece Erda, diosa de la tierra y la mujer más sabia del mundo. Erda advierte a Wotan sobre la maldición del anillo y por lo tanto le pide que lo abandone. Wotan, muy consternado, entrega el anillo y Freia se ve liberada. Mientras los gigantes se dividen el tesoro, se inicia una disputa sobre cuál de los dos recibirá el anillo. Fafner asesina a Fasolt a golpes y se retira con toda la fortuna. Un Wotan horrorizado se da cuenta del terrible poder que tiene la maldición de Alberich.

Finalmente, los dioses se preparan para entrar en su nuevo hogar. Donner crea una tormenta eléctrica y una vez terminada, Froh invoca un arco iris que los dioses utilizan como puente para ingresar a su castillo. Wotan los lleva al castillo, al cual nombra Valhalla. Fricka pregunta a Wotan sobre el nombre y la respuesta es que su significado será revelado en un futuro.

Loge, quien sabe que el fin de los dioses se acerca, no sigue a los demás al Valhalla. En el río Rin las doncellas del Rin lamentan la pérdida de su oro. El telón cae.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/El_oro_del_Rin"

En el Siglo XX la Opera: Alemania. Richard Wagner

2008-10-07T16:08:27+00:00

Wilhelm Richard Wagner nace el 22 de mayo de 1813 en Leipzig. En 1822 estudia en la Kreuzschule de, donde se despierta su pasión por la mitología griega, el teatro y la música.

Musicalmente, su formación fue eminentemente autodidacta, asimilando por sí mismo la música de su gran ídolo Ludwig van Beethoven. Aún así, en 1831 estudia en la Universidad de Leipzig al tiempo que recibe lecciones privadas de C.T. Weiling, convirtiéndose dos años después, 1833, en Maestro de Coro en Würzburg, puesto que le permite la holgura económica necesaria para contraer matrimonio con Minna Planer.

Entre 1833 y 1837 Wagner ocupó diversos cargos musicales, primero el es nombrado, como ya dijimos, Maestro de Coro en Würzburg (1833), en 1934 fue Director Musical en Magdeburgo, más tarde, en 1836 será Director Musical de la compañía teatral de Heinrich Bethmann, y ya en 1837 ocupa el cargo de Director del Teatro de Konigsberg y el mismo año, Director Musical del Teatro de Riga, cargo que mantiene hasta 1839.

Con todo, en 1840 fue encarcelado a causa de sus deudas, pero continúa trabajando incansablemente. Así, miestras ocupa en 1843 el puesto de Kapellmeister de la Corte de Dresde, se estrena en 1845 su Tannhäuser.

En 1849 participa en los alborotos revolucionarios que asolan media Europa entre el 49 y el 50, por lo que debe huir, escapando a Suiza gracias a la inestimable ayuda de F. Liszt.

Oper und Drama será el libro teórico que nos deje Wagner en 1851, aunque aún falten muchas de sus mejores obras por llegar.

En 1859 se traslada a París, no dejando las autoridades alemanas que regrese a su país. Tal vez por esto en 1861 decida dar un viaje por Hungría y Checoslovaquia llegando a hasta Rusia lo que le reporta ganancias económicas.

Die Hochzeit (La Boda) es una ópera inacabada del compositor alemán Richard Wagner. Wagner completó el libreto y comenzó a componer la música en el otoño de 1832. Abandonó el proyecto cuando su hermana Rosalie, quien era la que sustentaba a su familia, le expresó su desagrado con la historia. Wagner abandonó la composición y destruyó el libreto.

Parte del argumento ha llegado a nuestros días: Una solterona llamada Ada iba a casarse con un joven llamado Arindal. La pareja no sentía nada entre sí, sino que iban a celebrar su matrimonio motivados por intereses políticos. En la víspera de la boda, Cadolt, quien estaba enamorado de Ada, entró en la habitación de la novia con la idea de pasar una última noche de pasión. Ada rechazó las proposiciones de Cadolt y evitó ser raptada por él tirándolo por el balcón. A pesar de haber causado su muerte, Ada también estaba enamorada de Cadolt, y en su funeral se derrumbó al lado del cuerpo de su amado y murió.

Sólo ha llegado a nuestros días un septeto de la ópera.

Ada y Arindal fueron los nombres que Wagner usó para dos personajes principales en Die Feen, la primera ópera que Wagner completó.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Die_Hochzeit"

Categoría: Óperas de Richard Wagner

Die Feen (Las hadas) es la primera ópera completa de Richard Wagner, compuesta durante 1833, cuando el compositor tenía solamente 20 años. El año anterior, Wagner había abandonado su primer intento de escribir una ópera, Die Hochzeit (La Boda). Wagner mantuvo los nombres de dos de los personajes principales de Die Hochzeit en dos de los principales personajes de Die Feen, Ada y Arindal.

Die Feen permaneció sin estrenar hasta poco después de la muerte del compositor 1883, cuando fue estrenada en Munich. En la actualidad es una ópera muy poco representada, que, a diferencia de los trabajos de madurez del compositor, no ha conseguido hacerse un hueco en el repertorio operístico habitual. Una idea de lo poco extendida que está esta ópera lo puede dar el hecho de que el estreno en América tuvo lugar en el New York City Opera el 24 de febrero de 1982, casi 150 años después de su composición.

Die Feen imita claramente el estilo musical de Carl Maria von Weber, que con su ópera Der Freischütz se había convertido en un músico de gran renombre en los años de juventud de Wagner. Muchos estudiosos coinciden en declarar a Weber como uno de los músicos que más influyó en el trabajo de Wagner. En este primer trabajo, el autor no introduce las largas cadenas de "melodías sin fin" y la armonía cromática que destacarían en sus composiciones de madurez.

Wagner entregó personalmente el manuscrito original de Die Feen al Rey Luis II de Baviera. El manuscrito fue entregado más adelante como regalo a Adolf Hitler y pereció con él en las llamas del búnker de Berlín durante los días finales de la Segunda Guerra Mundial.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Die_Feen"

Categoría: Óperas de Richard Wagner

Rienzi, der Letzte der Tribunen (WWV 49) (Rienzi, el último de los tribunos) es una ópera de Richard Wagner, compuesta en cinco actos, con un libreto escrito por el compositor tras leer la novela de Edward Bulwer-Lytton del mismo título. Escrita entre julio de 1838 y noviembre de 1840, fue estrenada en Dresde el 20 de octubre de 1842.

Rienzi es la tercera ópera completada por Wagner, y está escrita en un estilo que recuerda mucho a la Grand Opéra. El estreno en Dresde fue bien recibido por el público, a pesar de que la duración de la ópera llegaba a las seis horas. Más adelante Wagner experimentó diversas opciones para que no resultara una representación tan larga. Probó representando la ópera en dos tardes seguidas e incluso cortando partes de la misma para que pudiera ser representada de una sola tirada.

Debido a su atípico estilo y su larga duración, Rienzi se representa muy poco en la actualidad, hasta el punto de que nunca ha sido representada en el festival de Bayreuth. Wagner llegó a decir más adelante que esta obra era una vergüenza para él, pero el hecho es que fue una de las más exitosas durante la vida del compositor. Una puesta en escena reseñable es la que llevó a cabo Nicholas Hytner en los años 80 en la English National Opera de Londres, que colocaba al héroe en el contexto de los totalitarismos que abundaron durante el siglo XX.

La ópera trata de la vida de Cola di Rienzi, un líder populista que vivió en la Italia medieval y tuvo éxito en derrotar a las clases nobles en Roma y darle el poder al pueblo. Magnánimo al principio, tuvo que sofocar una revuelta de los nobles por recuperar sus privilegios. Con el tiempo, la opinión popular cambió e incluso la iglesia, que al comienzo estaba a su favor, se viró en su contra. Al final de la ópera el pueblo quema el Capitolio en el cual Rienzi y unos pocos seguidores se enfrentan a su destino.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Rienzi"

Categoría: Óperas de Richard Wagner

El holandés errante (Der Fliegende Holländer) es una ópera romántica en tres actos compuesta por Richard Wagner sobre libreto propio inspirado en Memorias del señor de Schnabelewopski, de Heinrich Heine. Se estrenó en Dresde, en la Hofoper, el 2 de enero de 1843.

Wagner viajó en el verano de 1839 en velero desde Königsberg a Londres. Una gran tormenta arrojó el barco hacia las costas noruegas. Este hecho hizo recordar a Wagner la leyenda, ya tradicional entre los marineros del norte de Europa desde el siglo XV, del navegante condenado a surcar los mares en busca de la salvación. Este fue el germen de la ópera, cuyo libreto escribió el propio Wagner en 1841. .

La acción se desarrolla en las costas de Noruega en época indeterminada y narra el encuentro de unos marineros con un misterioso buque, con las velas de color de sangre, en el que viaja un personaje espectral: el holandés errante, un navegante perseguido por una maldición y condenado a navegar sin reposo, al que cada siete años se le concede la posibilidad de bajar a tierra en busca de un amor puro que lo salve, con la muerte. Daland, el capitán de la nave noruega, se lleva a casa al holandés, del que Senta, su hija, se enamora y acaba muriendo por él en prueba de fidelidad para redimirlo de la maldición que le persigue.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/El_holand%C3%A9s_errante_(%C3%B3pera)"

Categorías: Operas by composer templates | Óperas de Richard Wagner

Tristán e Isolda (Tristan und Isolde en alemán) es una ópera (en realidad denominada por el compositor como "acción") en tres actos de Richard Wagner. Compuesta entre 1857 y 1859, fue estrenada en Munich el 10 de junio de 1865. Wagner escribió el libreto basándose en el romance de Gottfried von Strassburg, que a su vez se basa en la leyenda medieval de Tristán trasmitida en francés por Thomas de Bretaña. Los compositores románticos encontraron en los romances medievales una gran fuente de inspiración para los argumentos de sus óperas. Muchos críticos wagnerianos de la época consideraban que esta ópera representaba el cenit de la música occidental; por otro lado, otro grupo influyente de críticos, centrados alrededor de Eduard Hanslick, la tachaba de incomprensible.

Fue compuesta entre 1857 y 1859 y estrenada en Munich, el 10 de junio de 1865, bajo la batuta de Hans von Bülow.

En la composición de Tristán e Isolda, Wagner se inspiró en su aventura con Mathilde Wesendonck, así como en la filosofía de Arthur Schopenhauer. Reconocida como una de las obras cumbres del repertorio operístico, Tristán destaca por el avanzado uso del cromatismo, la tonalidad y la armonía.

El primer acorde de la ópera, llamado el acorde de Tristán, se considera de gran importancia en el desarrollo de la armonía tonal tradicional. Esta ópera ha tenido una influencia muy importante en los compositores occidentales, con Gustav Mahler, Richard Strauss, Alban Berg y Arnold Schoenberg, entre otros, claramente inspirados por ella. Muchos ven en Tristán el comienzo del fin de la armonía convencional y la tonalidad, y el arranque del movimiento atonal característico del siglo XX.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Trist%C3%A1n_e_Isolda_(%C3%B3pera)"

Categoría: Óperas de Richard Wagner

Die Meistersinger von Nürnberg (Los maestros cantores de Nuremberg) es una ópera en tres actos, escrita y compuesta por Richard Wagner. Es una de las óperas más populares del mundo, y una de las más largas que se representa aún: aproximadamente cinco horas. Fue estrenada en Munich en 1868.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Los_maestros_cantores_de_N%C3%BAremberg"

Categoría: Óperas de Richard Wagner

Temporada de conciertos presentado por: Historia Comparada de la Pintura, la Música y la Poesía Moderna

2008-10-07T15:41:28+00:00

Con la presentación de dos periodos musicales:

Siglo XIX

Romanticismo: Beethoven, Schumann, Shubert, Mendelssohn, Brahms, Liszt, Chopin, Mahler.

Impresionismo y simbolismo: Debussy, Richard Strauss

Nacionalismo: el grupo de los cinco, Grieg, d’Indy, Beriloz, Sibelius, Albeniz

Opera Italiana: Puccini, Rossini. Francesa: Bizet y Alemana Wagner

Siglo XX

Segunda escuela vienesa: Shoenberg, Webern, Berg
Bartok, Stravinsky, Satie, Hindemith y Milhaud.
El Cabaret y el musical: Kurt Weill, los hermanos Gershwin

Sandra Ximena Hernández Gómez, directora artística del famoso teatro virtual ha hecho la presentación de Mendelssohn Félix, con una de sus más bellas composiciones, lo cual realizó sobre la obra de Shakespeare Sueño de una noche de verano, basada en un cuento de hadas. Se suele clasificar entre los llamados clásicos-románticos.

Desde la Antigüedad, los músicos aprovecharon el lenguaje colorista para traducir sus conceptos abstractos; de hecho, son múltiples los préstamos semánticos que un arte ha hecho al otro. El color, croma entre los griegos, es una palabra que se utiliza como equivalente de timbre. El adjetivo brillante, una cualidad indiscutible del color, es empleado por los músicos en el sentido de nítido.

No obstante, aunque los ejemplos sean menores, lo mismo sucede a la inversa, pues los términos tono y armonía fueron una herencia que la música hizo a la pintura. A la llamada en música, escala cromática, Rousseau explicaría: “... la escala cromática está en medio de la diatónica y la enarmónica, así como el color está entre el blanco y el negro. O bien porque el cromatismo embellece al diatónico con sus semitonos, que logran, en música, el mismo efecto que la variedad de los colores tienen en la pintura”. Además es éste quien aplacó los ánimos de sus contemporáneos al señalar que los sonidos no pueden identificarse solos, separando unos de otros, tal y como sucede con los colores. Goethe, en su monumental Esbozo de una teoría de los colores, advertía que el color y el sonido no se prestan a comparaciones y expresó su respeto a quien, genialmente, lo lograse; no sin antes advertir el peligro que implicaba la mano de la ciencia en el mundo del arte: “La ciencia puede destruir a la música positiva, desarrollada de estéticas y geniales, en gracia de un tratamiento físico”.

Dentro de este debate los románticos se interesaron en las afinidades y discrepancias existentes entre las dos disciplinas. Músicos de la talla de Wagner relacionaban el color con la expresión musical, y Chopin decía que la lógica de sucesión de los sonidos, que él describía con un término extraído de la física del color, reflexión aureolar, era un fenómeno análogo a las reflexiones de los colores. Las fronteras entre la música y la pintura se difuminaron todavía más en el Romanticismo, cuando se avivó la pasión por el cromatismo y proliferaron las composiciones del tipo pintura musical o música de programa, en las que se toma como base una representación extramusical, frecuentemente pictórica, narrativa o poética, y ésta queda descrita en los programas de mano que se reparten entre el público.

Como se ve, muchos pintores encontraron en el lenguaje musical la descripción exacta de sus imágenes coloreadas, sobre todo aquellos simbolistas que buscaron crear un cuadro sin ningún objeto reconocible en él; lo que ocurre también viceversa. Como anécdota al tema se puede mencionar el ambicioso proyecto de Henri Lagresille, llamado método de Lagresille en su honor, que trata de traducir obras maestras de la música clásica en cuadros de color, asignando equivalentes de estos a ciertos acordes y movimientos musicales, que hicieron de una tocata de Bach un espléndido mosaico multicolor de suaves celestes y fuertes púrpuras.

Otra opinión que resulta interesante tratar es la que en la década de los sesenta y desde los linderos del estructuralismo, defendía Claude Lévi-Strauss, al ser muy claro al diferenciar que la pintura y sus colores imitan a la naturaleza, en tanto que la música opera en forma totalmente distinta. En Lo crudo y lo cocido, Lévi-Strauss escribe que para los colores solemos proceder con la ayuda de metonimias implícitas - amarillo paja, azul petróleo, verde agua, negro carbón, rojo cereza, etc.- “como si tal amarillo fuese inseparable de la percepción visual de la paja, o tal negro de calcinación del marfil que lo origino”.

Música

2008-10-07T07:12:21+00:00

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Música

2008-10-07T06:55:36+00:00

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LA MÚSICA DEL ROMANTICISMO

2009-08-21T05:53:17+00:00

Delimitamos cronológicamente el Romanticismo entre los años 1800 y 1890, aunque hay corrientes que presentan características románticas antes de estas fechas y en algunos países se extenderá hasta bien entrado el siglo XX. Entre el Clasicismo y el Romanticismo no hay una línea divisoria estricta, sino una lenta y poco definida transición que nos permite hablar de continuidad.

CONTEXTO HISTÓRICO: En 1815 se celebra el congreso de Viena, que dibuja las nuevas fronteras políticas europeas. La burguesía ha tomado el poder social y sus ideales de libertad quedarán patentes en todos los ámbitos de la sociedad. La revolución industrial se impone en todos los lugares con sus enormes consecuencias económicas, sociales y culturales.

Nos encontramos con una nueva sociedad, surgida de la Revolución Francesa, que exalta la libertad del ser humano por encima de todas las cosas.

El movimiento nacionalista surge en la última época del Romanticismo y con él se refuerza la idea de individualidad. El nacionalismo afectará a todas las artes y muy en especial a la música.

CONTEXTO CULTURAL: Los artistas románticos, cansados de la perfección formal del Clasicismo, buscan nuevas formas de expresión que les permitan dar rienda suelta a su impulso creador. En esta época de anhelo de libertad, los artistas se independizan de los mecenas y van a crear obras para un público que en ocasiones le adora y, a menudo, tarda en comprenderle. El principio fundamental del Romanticismo es la búsqueda de la exaltación de las pasiones en todas sus obras.

Otro concepto que triunfa en la época es el de "el arte por el arte", sin condicionantes y sin tener que respetar todas las normas formales y estructurales que se habían impuesto en el periodo anterior. Los artistas van a ser genios creadores que son reconocidos como tales por el resto de la gente.

CONTEXTO MUSICAL: El Romanticismo es quizá la época más brillante de la historia de la música, ya que por primera vez, este arte adquiere la categoría de lenguaje privilegiado por encima del resto de las artes; la música es capaz de transmitir la verdadera esencia de las cosas.

En el campo de la música también se dejan ver los ideales de libertad de la Revolución Francesa y por ello los compositores van a hacer obras sin encargo y según sus propios gustos, lo que llevará a muchos músicos a la ruina.

El fundamento básico de la música romántica es "la exaltación de las pasiones"; los músicos románticos tratan, con su música, de influir en el ánimo del oyente implicándole emocionalmente. Para conseguir este propósito, el vehículo más apropiado será el piano, que se convertirá en el instrumento estrella del periodo, ya que con él se logra una atmósfera íntima.

En esta época brillarán numerosos compositores, que seguirán, sobretodo en la primera parte del Romanticismo, el modelo de Beethoven, que será el compositor que sirva de enlace entre el Clasicismo y este nuevo periodo.

En el Romanticismo la música va dirigida al corazón.

PERIODOS MUSICALES: en este periodo podemos hablar de tres etapas:

· ROMANTICISMO TEMPRANO (1800-1830): Beethoven será la figura que sirva como puente entre las dos épocas. Surgen las primeras manifestaciones que combinan innovación y continuidad con el Clasicismo. En esta etapa destaca Schubert, que logrará la expresión plena del lirismo romántico en sus piezas para piano y en los lieder.

· ROMANTICISMO PLENO (1830-1850): El movimiento romántico se extiende por toda Europa. París se convierte en un centro importante de cultura musical. Es la época del virtuosismo instrumental con autores como Listz (piano) o Paganini (violín). Se asientan nuevas formas compositivas como la Música Programática (descriptiva).

· ROMANTICISMO TARDÍO (1850-1890): Los grandes operistas de la época, Wagner y Verdi, escriben sus mejores obras. Destacan compositores de la talla de Brahms. Aparecen las nuevas corrientes: Post-romanticismo y Nacionalismo.

CARACTERÍSTICAS MUSICALES: Durante este periodo podemos destacar las siguientes novedades en el ámbito de la música:

Independencia del autor, cada vez menos sujeto a las normas de los mecenas y más relacionado con los editores de partituras, lo que le permite mayor libertad de expresión y composición.

Aparición de nuevos géneros, como el lied, los poemas sinfónicos o el drama musical (ópera de Wagner)
Búsqueda de la expresividad, los sentimientos y los estados de ánimo en el oyente.
La melodía ocupará un lugar privilegiado dentro de la obra. Dichas melodías ya no serán tan regulares como en el Clasicismo y estarán cargadas de contratiempos y síncopas, ritardandos y cambios de dinámica,...; todo ello con la finalidad de expresar en mayor medida los sentimientos.
La armonía, al igual que la melodía apoyará la expresividad de la música y para ello usará frecuentes cambios de tonalidad y cromatismos.

ESCENARIOS ROMÁNTICOS: La vida musical europea vivió, en esta época, un periodo de gran intensidad en torno a ciudades como París, Viena, Londres,... Existía una producción musical muy variada que se valía de escenarios muy distintos:

· CONCIERTOS PÚBLICOS: Se celebraban en grandes solas propiedad del Estado o de empresas privadas. A ellas se accedía pagando una entrada. Estos lugares eran el marco ideal para grandes funciones sinfónicas, de ópera, de ballet,...

· SALONES PRIVADOS: En las casas de los aristócratas y de los ricos empresarios burgueses se realizaban conciertos privados. Normalmente eran salones no demasiado grandes. Su ambiente era selecto y restringido a unos pocos privilegiados. La música más demandada en estos escenarios era la de cámara.

· MÚSICA EN FAMILIA: En ocasiones los artistas se reunían con familiares o amigos para celebrar fiestas en las que la música era el ingrediente principal. Era, para la gran mayoría de los compositores románticos, el escenario preferido por su ambiente íntimo y personal. Fueron famosas las Schubertiadas, veladas musicales lideradas por Franz Schubert.

LA OPERA ROMÁNTICA: Durante el Romanticismo la ópera experimenta una gran evolución que lleva a este género a su cumbre más alta y lo convierte en el espectáculo preferido de la burguesía. Se construyen teatros por toda Europa y los cantantes se convierten en verdaderos divos (dioses) gracias al lucimiento vocal de sus arias.

Vamos a ver el desarrollo operístico en los países más importantes:

· ITALIA

· FRANCIA

· ALEMANIA

· ESPAÑA

MÚSICA INSTRUMENTAL

EL LIED: Se trata de un género menor (de poca duración) que se convirtió en una de las principales formas vocales de la música romántica ya que normalmente era compuesta para el disfrute en veladas musicales íntimas.

El lied (lieder en plural) es una denominación alemana que significa canción. Es una forma breve escrita para voz y piano sobre un texto poético ya existente. Su principal característica es la fusión entre el texto y la música. El lied era muy apreciado por el público porque en los conciertos creaba una atmósfera íntima propiciada por la belleza y expresividad de sus melodías. El piano se ponía al servicio de la melodía del cantante.

Existen varios tipos de lied, siendo el más frecuente el estrófico, caracterizado por repetir la misma música en todas las estrofas (A-A-A,..). También es común la forma bipartita de dos secciones que se van repitiendo (A-A-B-B) y la forma tripartita en la que la tercera parte era repetición de la primera (A-B-A)

Entre los compositores más destacados de lieder hay que citar a F. Schubert, que a lo largo de su vida realizó más de 600. Más tarde cultivarán esta forma otros autores como Hugo Wolf o Gustav Mahler.

MÚSICA DE CÁMARA: La música de cámara en el Romanticismo alcanzó su máximo desarrollo, debido, en gran parte, a que se hizo accesible a la burguesía y a la constante demanda de obras para interpretar en familia o entre amigos.

A lo largo del siglo XIX, la mayoría de los compositores escribió obras de cámara, desde dúos (para dos instrumentos, como por ejemplo el piano y la flauta), tríos (piano, violín y violonchelo),...hasta nonetos (nueve instrumentos de cuerda y viento); sin olvidar el cuarteto de cuerda típico del Clasicismo (dos violines, una viola y un violonchelo), que siguió ocupando un lugar destacado en esta época.

Muchas de estas obras eran sencillas y así las podían interpretar grupos de aficionados en las reuniones íntimas que realizaban en sus propias casas.

LA MÚSICA PARA ORQUESTA: La orquesta del siglo XIX se convirtió en la gran protagonista de la época. Casi todos los compositores escribieron obras musicales para este tipo de formación.

La orquesta romántica, denominada orquesta sinfónica, estaba integrada por un número de intérpretes que solía oscilar entre los 60 y 75 instrumentos de las tres familias. No es extraño, sin embargo, encontrar a finales de siglo obras que requerían 100 o más músicos. Los mecanismos técnicos de los instrumentos de viento se perfeccionaron y los compositores comenzaron a considerarlos tan importantes como los de cuerda.

Debido a la constante demanda de conciertos públicos el número de orquestas se multiplicó por toda Europa, hasta el punto de que las grandes ciudades contaban con varias orquestas sinfónicas que realizaban giras por toda Europa con una acogida extraordinaria.

Las tres grandes formas de orquesta que se van a dar en el Romanticismo fueron:

* LA SINFONÍA

* EL CONCIERTO PARA SOLISTA

* LA MÚSICA PROGRAMÁTICA

EL PIANO: El piano, era el instrumento preferido de los compositores románticos y de muchos de los amantes de la música de ese periodo. Ello era debido a las siguientes razones:

La burguesía accedía, en gran medida, a la práctica y los conocimientos musicales. Era frecuente que en los hogares de las familias con cierta cultura hubiese un piano puesto que era sinónimo de elegancia y poder. Los familiares solían reunirse para interpretar música o para celebrar tertulias en torno a él.
Por ser un instrumento armónico, tenía la posibilidad de tocar varias notas a la vez y esto le permitía interpretar reducciones de obras de orquesta, coro o cámara.
Muy pronto, por sus cualidades sonoras y técnicas, los románticos vieron en el piano un medio de comunicación ideal para expresar sus pasiones y sus sentimientos mediante la música.

A lo largo del Romanticismo coexistieron dos tendencias en la interpretación pianística:

Virtuosismo: Se trata de explotar al máximo las posibilidades técnicas del instrumento. Solían ser obras de larga duración que buscaban ante todo el lucimiento del artista desarrollando plenamente el colorido sonoro del instrumento. Se trata generalmente de piezas de difícil ejecución. Algunas de estas formas son los estudios (piezas para desarrollar una determinada técnica), sonatas (mucho más libres formalmente que las del Clasicismo), variaciones (en las que la improvisación jugaba un papel protagonista),...; algunos de los compositores más representativos de este género fueron F. Liszt, reconocido por algunos como el mejor pianista de la época, o F. Chopin, que también abordará el piano lírico.
Lirismo: Los compositores no buscan la complejidad, sino expresar estados de ánimo o sensaciones en obras muy poéticas. Suelen ser obras cortas y en apariencia sencillas de ejecución, que transmitían el verdadero carácter romántico de la época. Entre los compositores más destacados de este género podemos hablar de F. Chopin o de R. Schumann que crearon piezas que se denominaron momentos musicales, escenas de niños, baladas, nocturnos,...

Algunos compositores, promovidos por el espíritu nacionalista, realizaron obras en las que recurrían a danzas o temas populares de sus territorios como los valses, las polonesas o las mazurcas.

MÚSICA PROGRAMÁTICA: La búsqueda de músicas más libres y abiertas, y en definitiva más adecuadas para la expresión romántica, dará lugar al desarrollo de la música programática o descriptiva, que ya no se construye a partir de criterios formales sino de criterios extramusicales (novelas, historias,...).

Ya sabemos que el hecho de utilizar la música como lenguaje descriptivo no es una novedad (recordemos "Las cuatro estaciones" de Vivaldi), sin embargo, es ahora cuando surge como género nuevo capaz de materializar ese poder de la música. Nacen así dos nuevas formas de música programática: la sinfonía programática y el poema sinfónico.

· LA SINFONÍA PROGRAMÁTICA: Es una sinfonía que en lugar de basarse en una estructura formal, se desarrolla en torno a la descripción de un programa o argumento, generalmente de carácter literario. El creador de este género es el compositor francés H. Berlioz con su obra "Episodios de la vida de un artista. Sinfonía fantástica", en la que narra su amor no correspondido hacia una actriz inglesa a la que convierte en música. La sinfonía programática es una obra de larga duración (varios movimientos) y normalmente el autor introduce el texto al principio de la obra que sirve de guía de la misma.

· EL POEMA SINFÓNICO: Es una composición en un sólo movimiento basada en elementos poéticos o descriptivos. El creador de este género es F. Liszt que en su obra "Preludios" describe unos poemas de Lamartine titulados "Meditaciones poéticas". Este nuevo género de música será cultivado por compositores románticos y en especial nacionalistas, entre los que destacamos a Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, R.Strauss, C. Saint-Säens o P. Dukas.

COMPOSITORES DESTACADOS: A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los compositores más destacados de esta etapa. Como el Romanticismo es la etapa más abundante en músicos, los hemos dividido en tres grupos dependiendo de sus características. Pincha sobre el nombre del que quieras conocer:

Romanticismo Pos Romanticismo

BERLIOZ, Hector MAHLER, Gustav

BIZET, Georges STRAUSS, Richard

BRAHMS, Johannes

CHOPIN, Fréderic

DONIZZETI, Gaetano

LISZT, Franz

MENDELSSOHN, Felix

MEYERBEER, Giacomo

OFFENBACH, Jacques

Mendelssohn Felix. de quien presentaremos un gran concierto.

Felix Mendelssohn

2008-10-07T06:01:08+00:00

MENDELSSOHN, Felix

1809-1847 Alemania

Compositor alemán considerado uno de los precursores del Romanticismo musical. Ello no fue óbice para que adquiriera una formación clásica inspirada en Palestrina, Haendel y especialmente Bach, cuya figura histórica redescubrió con "La Pasión según San Mateo".

Provenía de una acomodada familia judía convertida al protestantismo. Fue niño prodigio del piano y de la composición elegante, en contraste con la imagen del romántico típico. Su academicismo no impidió su preferencia por la inspiración de la naturaleza y lo fantástico. Fue defensor de las formas pequeñas, como la romanza sin palabras, aunque trabajó todos los géneros, desde la música de cámara a la sinfónica, las oberturas y los oratorios.

Dirigió orquestas y enseñó piano y composición, conociendo a Weber y Spohr, y cultivando la amistad de Schumann. Su estilo posee el sentimentalismo de un romántico y el gusto y equilibrio de un clásico.

PRINCIPALES OBRAS:

* Mar en calma y viaje feliz (obertura) - 1828

* Sinfonía nº 4 en la mayor "italiana" - 1830

* Concierto nº 1 en sol menor para piano y orquesta - 1831

* Las hébridas (o la gruta del Fingal) - 1832

* Concierto nº 2 en re menor para piano y orquesta - 1837

* Ruy Blas (obertura) - 1839

* Sinfonía nº 3 en la menor "la escocesa" - 1842

* Concierto en mi menor para violín y orquesta - 1844

* Athalie - 1845

Cree usted los cuentos hadas si asiste este concierto

2008-10-07T05:57:25+00:00

¿Cree usted en los cuentos de hadas? Si asiste a este concierto no le quedará otro remedio que empezar a creer en el mundo de las hadas y otros seres élficos. Esta pieza musical esta considerada, de forma unánime, como la mejor y más bella que se ha llevado a cabo de las composiciones que Felix Mendelssohn hizo sobre la obra de Shakespeare Sueño de una noche de verano, basada en un cuento de hadas. Además de ser una de las mejores versiones musicales de esta pieza, la particularidad de esta grabación es que incluye buena parte de los recitativos -en las potentes y embelesantes voces de Kathleen Battle y Frederica Stade-, de los fragmentos de la obra de Shakespeare que músico Mendelssohn. Escuchar estas voces, además de quedar maravillado con la etérea poesía de la música para orquestra, es una experiencia que va más allá de lo que uno puede imaginar.

Mendelssohn compuso la introducción al Sueño de una noche de verano en un arrebato musical que experimentó a la temprana edad de 17 años. Lo escribió casi en una sola noche de febril actividad, completando esta primera pieza a lo largo del siguiente mes. Esta composición se estrenó seguidamente como preámbulo a las representaciones teatrales de la obra de Shakespeare, convirtiéndose en un gran éxito y permaneciendo su cautivadora melodía como uno de los iconos de la música romántica que han perdurado hasta nuestros días. Años más tarde Mendelssohn añadió varias piezas más para diversos recitativos de la obra, titulando estos fragmentos como música incidental -pues la música solo cubría determinadas escenas de la obra de teatro, pero no toda ella en su extensión.

Innumerables grabaciones de esta maravillosa y cautivadora obra se han realizado a lo largo de los tiempos, pero esta versión, conducida por Seiji Ozawa e interpretada por la Boston Symphony Orchestra, ha quedado por el momento como un testimonio insuperable e increíblemente bello y cautivador de este inmortal cuento de hadas, salido de la pluma de Shakespeare. Recomendable para melómanos apasionados y para todos los públicos

El sueño de una noche de verano (A Midsummer Night's Dream) es una comedia escrita por William Shakespeare alrededor de 1595. La influencia de la obra de Shakespeare en la cultura europea es grande. El sueño de una noche de verano ha dado origen, entre otras adaptaciones, a A Midsummer Night's Dream, ópera de Benjamin Britten, y a la obertura del mismo nombre de Felix Mendelssohn.

Felix Mendelssohn escribió una obertura y otras piezas musicales inspirado en esta obra que se utilizaron como acompañamiento musical de la obra a lo largo del siglo XIX. En el siglo XX, (1960) Benjamin Britten compuso una ópera sobre el mismo tema con libreto del propio Britten y de Peter Pears. La obra teatral ha sido adaptada en numerosas ocasiones al cine y su influencia ha sido notable en la cultura anglosajona.

Su romanticismo se aprecia con claridad en el uso del color orquestal y en su tendencia hacia una música programática que describe lugares, sucesos o personas. Desde el punto de vista estructural Mendelssohn utiliza las formas musicales clásicas con un lirismo, una elegancia y un lenguaje armónico que le sitúa entre los compositores más conservadores de su época. En ocasiones al caracterizar el estilo de Mendelssohn suele insistirse en esta última circunstancia, su apego a la forma y a los valores musicales heredados. Por esto, la crítica suele clasificarlo entre los que llama 'clásicos-románticos'. Espontaneidad, delicadeza y mesura dominan la música de este extraordinario artista.

PROGRAMA:

Con el título El sueño de una noche de verano, Mendelssohn compuso dos obras basadas en la obra homónima de Shakespeare escrita en 1595: una obertura con orquesta (opus 16) en 1826 y música de escena (opus 61) para dos sopranos, coro de mujeres y orquesta, en 1842.

* Marcha Nupcial

Forma parte de la obra de este autor Sueño de una noche de verano, la costumbre de usarla como inicio de las bodas, la implanta la princesa Victoria de Inglaterra al casarse con Federico Guillermo de Prusia. No fue una mala elección, ya que Mendelssohn es uno de los compositores románticos más elegantes y con mayor claridad y colorido orquestal.

* Nocturno

El nocturno se toca entre el final de la escena en que los cansados amantes se duermen con la ayuda de Puck, y el comienzo de la siguiente, donde Titania juguetea amorosamente con Bottom. La música parece hablar principalmente del descanso humano y del alivio que proporciona el sueño, aunque también comunica, hacia el final, el mundo encantado de Titania.

La primera melodía de este nocturno suena dos veces interpretada por la trompa. La pieza sirve tradicionalmente como ejemplo del bello sonido que puede conseguir este instrumento de metal cuando es utilizado como solista.